CLAYTON PATTERSON:
NEIN! NEIN! NEIN!
Zerstört nicht Dietmars NO!art-Website
Domain-Namen-Verletzung bei <no-art.info> (2011)
Sehr geehrter Herr Kirves:
Unsere Kanzlei ist Rechtsberater der Boris Lurie Art Foundation. Wie Sie vielleicht wissen, ist die Boris Lurie Art Foundation (die "Stiftung") eine Organisation, die kunstbezogene Dienstleistungen anbietet, um das Vermächtnis von Boris Lurie und der NO!ART-Bewegung zu erhalten und zu fördern. In diesem Zusammenhang verfügt die Stiftung über langjährige Markenrechte an der Marke NO!ART (die "Marke") und besitzt zahlreiche internationale und US-amerikanische Markenregistrierungen und -anmeldungen. Das Warenzeichen ist für die Stiftung sehr wertvoll, weshalb die Stiftung spezifische Richtlinien für jegliche Verwendung des Warenzeichens entwickelt hat und die Verwendung desselben gewissenhaft überwacht.
Wir haben kürzlich festgestellt, dass Sie trotz der Rechte der Stiftung an dem Zeichen den Domainnamen <no-art.info> (der "Domainname") registriert haben, der dem Zeichen zum Verwechseln ähnlich ist. Bitte beachten Sie, dass die Art und Weise Ihrer Registrierung und Nutzung des Domainnamens unserer Meinung nach "bösgläubig" im Sinne der ICANN Uniform Domain Name Dispute Resolution Policy ist. Dementsprechend hat unser Mandant Anspruch auf eine beschleunigte Übertragung der Domainnamenregistrierung über ein ICANN-Schiedsverfahren.
Zu diesem Zweck fordert unsere Mandantin Sie auf, unverzüglich alle erforderlichen Maßnahmen zu ergreifen, um die Registrierung des Domainnamens sowie aller anderen Domainnamen, die aus den Namen oder Marken unserer Mandantin oder Abwandlungen davon bestehen und die Sie registriert haben, auf die Boris Lurie Art Foundation zu übertragen. Sollten wir bis zum 15. März 2011 keine ausdrückliche schriftliche Bestätigung Ihrer Zustimmung erhalten, wird unser Mandant andere rechtliche Schritte einleiten.
Bitte beachten Sie, dass dieses Schreiben unbeschadet aller anderen Rechte oder Rechtsmittel erfolgt, die der Boris Lurie Art Foundation zur Verfügung stehen könnten. Nichts, was hierin enthalten ist, sollte als Verzicht, Zugeständnis oder Lizenz der Boris Lurie Art Foundation angesehen werden, und die Boris Lurie Art Foundation behält sich ausdrücklich das Recht vor, andere faktische oder rechtliche Positionen geltend zu machen, wenn zusätzliche Fakten ans Licht kommen oder die Umstände dies rechtfertigen.
Mit freundlichen Grüßen,
Anthony Williams
Cc: Gertrude Stein
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Wenn ich an NO!art denke, denke ich an Boris Lurie. Bei NO!art denke ich an Pop Art, was für mich Warhol bedeutet. Boris erzählte mir, dass NO!art als Gruppe in den späten 50er Jahren begann und 1965 endete, während Pop Art etwa 1960-61 aufkam und um '63 in der Kunstwelt und im Medienbewusstsein explodierte. Beide Künstler benutzten kommerzielle Objekte, Boris: Ketten, Teller, Macheten, Warhol: elektrische Stühle, Brillo Boxen, Coca Cola. Warhol maß dem Objekt Bedeutung bei, klaute sogar das Campbell-Suppen-Kunstwerk von einer Dose aus dem Lebensmittelregal und von einem Unternehmensdesigner, der ungenannt bleiben soll. Boris benutzte das Objekt, um die Schwere des Schmerzes zu vermitteln, die Schrecken des Daseins als jüdischer KZ-Überlebender. Seine Richtung der Ästhetik war eher europäisch traditionell orientiert und ein Protest gegen die Ungleichheiten des Lebens. Ein schmutziger intellektueller Protest der Ästhetik, nicht das saubere, lustige, großbürgerliche französische Dada. Pop Art war im Vergleich dazu frivol, aber nachdem Warhol von einer verzweifelten Lesbe erschossen wurde, hafteten der Bewegung gefährliche Vibes an.
Warhol, ein gläubiger Katholik, wurde von einer großen amerikanisch-jüdischen Gruppe unterstützt, die Kunst kaufte. NO!art war zu persönlich. In den 60er Jahren mischten sich Juden in mittelamerikanische TV-Lebensbilder: Father Knows Best, Bin Tin Tin, Leave it to Beaver. In Amerika gab es kein wirkliches Interesse an der Holocaust-Frage und schon gar keine wirtschaftliche Unterstützung, nicht wie heute, wo der Holocaust zu einem lukrativen Geschäft geworden ist.
Beide Gruppen zogen ein großes Publikum an. Pop Art war glamourös, Hollywood-Camelot-inspiriert, Drag-orientiert, während NO!art nicht modeorientiert erscheinen wollte, der Look war "arm", "billig", "nach Arbeiterklasse aussehend", "einfach". Aber beide waren elitär. Welche Arbeiterfamilie der 60er Jahre würde in eine 'Shit'-Show gehen?
Die 'Shit Show' schien auf den ersten Blick Teil der neuen Attraktion des Narzissmus zu sein. Scheiße zu erschaffen, Kunst aus den eigenen Eingeweiden, ausgestellt in einem öffentlichen Raum. Diese Kunst, obwohl ein Objekt, sollte als eine Abstraktion über Farbe, Textur, Oberfläche NO!-Geruch betrachtet werden. Im abstrakten Expressionismus ging es nur darum, Probleme zu malen. Scheiße und der Holocaust waren noch Tabuthemen.
Pop war traditioneller in der Verwendung von Materialien und materialistischer. Die Partyszene von Warhol ebnete den Weg für elitäre Clubs wie das Studio 54 und all seine Ableger: Nur die "richtigen Leute" wurden eingelassen. Boris und Warhol lebten beide im selben New Yorker Stadtteil, in der konservativen, versnobten Upper East Side. Beide hielten ihre öffentlichen Präsentationen in der Downtown ab. Keiner von beiden war persönlich von Drogen inspiriert, aber Warhol wurde, wie seine literarischen Gegenstücke, die Beats, zum Symbol einer glamourösen, dekadenten Welt der Drogensucht: Rattenfänger für die neue Weltunordnung.
NO!art und Pop Art führten das, Objekt wieder ein, aber NO!art löschte die Essenz. Und währenddessen fand die wirkliche Kunstrevolution in Amerika völlig außerhalb dieser Kunstwelt statt. Zap-Comic-Künstler wie Robert William, Robert Crumb und das Phänomen Big Daddy Roth beeinflussten die gesamte amerikanische Kultur. Pollock, der im Kansas State der 40er Jahre aufwuchs, hatte kaum eine wirkliche Beziehung zur höheren Kultur, die er dann in seinem späteren Leben erdachte oder erlernte. Die Erfahrung beim Aufwachsen ist das, was einem in den Knochen steckt. Der Underground und die Comic-Künstler haben viele verschiedene Kulturen transzendiert. Ein komplett kapitalistisches Unterfangen, das für Pfennige verkauft wurde. Und zehntausende von Comics wurden verkauft. NO!art und Pop Art waren auf Mäzenatentum angewiesen, nicht auf Massenmarketing.
Die Pop Art schuf eine neue Art von Händlern. Kunsthändler wie Betty Parsons, die Vorgängergeneration, waren gebildete, gut situierte Weiße, die es genossen, romantisch arme Künstler um sich zu haben, ihnen aber keine wirkliche wirtschaftliche Unterstützung zukommen ließen. Die Pop-Künstler schlossen sich dem eleganten italienischen Geschäftsmann Leo Castelli an, der den amerikanischen Unternehmergeist, die kapitalistische Motivation, die mediale Artikulation, das Zeitalter des Wassermanns, die gute Wirtschaft und die Möglichkeit, seinen "Stall" reich und berühmt zu machen, verkörperte. NO!artists waren nicht gegen den Verkauf, hatten aber mit ihrer idealistischen, nicht materialistischen Sichtweise zu kämpfen, wie ein Armutsgelübde. Beide Gruppen waren jugendlich trotzig. In der Pop Art war die Mode künstliche Frau, Filmstars Drag Queens und schwulenorientiert. Keine gute Schule für eine Frau. Die Haltung der NO!artists war machohaft, bereit, harte Fragen zu stellen, Bars und Partys, aber keine Drogenfixierung. Dieser Club war offen heterosexuell: 40% der Bewegung waren Frauen.
Pop Art erhob gewöhnliche Bilder und Ikonen auf die Ebene der hohen Kunst. NO!art nahm hohe Kunst und reduzierte sie auf Scheiße.
Beide Gruppen hatten das Mainstream-Kunstwasser hinter sich. NO!art hatte die New York Times, Tom Wolfe, Thomas Hess, Dore Ashton. Aber hinter der Pop Art stand das Business. Sowohl Boris als auch Warhol arbeiteten im System als Kapitalisten. Warhol gab ein Magazin heraus, sammelte Kunst und Objekte, die im Wert stiegen. Boris gab ein Buch heraus, sammelte Kunst und verdiente Geld an der Börse.
Obwohl Boris seine Sammlung viel weniger wertvoll findet. Wenn sie den Tribut der Existenz überlebt hat, dann wird sie hier sein. Ansonsten nicht. Warhol gründete eine Stiftung, um Künstler zu unterstützen.
NO!art schien anarchistisch zu sein, aber die anarchistische Abspaltung steckte tief in der Popkultur, einer Bewegung, die dazu beitrug, eine neue Dekadenz zu etablieren, die den physischen Zustand der Gesellschaft untergrub.
NO!art protestierte gegen Bombentests und die Kunstwelt; Pop Art protestierte gegen nichts. Warhols achtstündiger Extravaganz-Film mit einer Kamera und einem Blickwinkel auf das Empire State Building handelte von Langeweile und war eine Studie in Masochismus. Langeweile ist weit entfernt von den Schrecken des Krieges.
Die schwarzgraue Dunkelheit von NO!art ist fast das Gefühl der heutigen Welt, das notwendige Abstreifen des Furniers. Dies scheint eine Zeit zu sein, in der diese heiklen Fragen wieder gestellt werden müssen. Pop Art mag weniger naiv gewesen sein, als man denkt, wie der Kinderreim: Campbell-Suppe, macht mich kacken, mein Bein runter und in meinen Stiefel. Scheißkultur. Der Nihilismus von heute, im Zeitalter von AIDS, erfordert eine gewisse Reflexion und die Ernsthaftigkeit von NO!art. Die Pop-Art/Beats-Dekadenz hat die Gesellschaft durchdrungen und manifestiert nun Drogen, Chaos und Verzweiflung. Lasst uns endlich zu den Fragen der NO!art kommen und weitermachen!
Publiziert in: The Villager, New York, Volume 80, Number 43 | March 24 - 30, 2011
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Über CLAYTON PATTERSON: Geboren 1948, in Calgary, Kanada. Studium der Kunst und des Designs an verschiedenen Universitäten.-Kämpft gegen die Ungerechtigkeit der Staatsautoritäten. Seit 1977 Ausstellungen in USA, Europa und Asien.- 1994 organisierte er die erste NO!art-Ausstellung in seiner Galerie nach 20 NO!Jahren. Beteiligte sich 1996 an der NO!art-box multiple in der Edition Hundertmark in Köln und 1998 an der NO!art-Show in der Janos Gat Gallery in New York.-Arbeitet als Dokumentar-, Anarcho- und Tattoo-Künstler in New York zusammen mit seiner Frau Elsa Rensaa und verschiedenen sozialen Gruppen.-Besitzt und betreibt das umfangreichste und wichtigste NO!art-Video-Archiv.-Lebt in New York. ►mehr
