ÜBER UNS + WIKI + FRONTSHOTS + MANIPULATION + MAIL

DE | EN
NO!art statements VOR  WEITER  INDEX
zum Register mit den Texten suchen und finden im NO!art-Archiv

ALAN MURDOCK: Interview mit Boris Lurie (1999)

Beim Nachdenken über das Konzept des Individuums in der Gesellschaft erinnerte ich mich an einen Artikel, den ich mit Boris Lurie von der NO!art-Bewegung führte. Vor zwei Tagen habe ich einen Teil des Artikels gepostet, der ursprünglich in der Zeitung The Daily Iowan abgedruckt war. Im Folgenden finden Sie das Interview, das Boris Lurie und ich für diesen Artikel geführt haben.

Lurie, ein Überlebender der Konzentrationslager des Zweiten Weltkriegs, zog nach dem Krieg nach New York und wurde in den 1960er Jahren ein Gründungsmitglied der March Gallery Group, die auch als NO!art-Bewegung bekannt ist. Viele seiner Bilder sind für die meisten verstörend und für andere äußerst umstritten. Eine Collage, Railroad to America, kombiniert ein Bild von Leichen aus Nazi-Konzentrationslagern mit einem Bild einer Frau aus einem Nacktmagazin. Die Gruppe engagierte sich im Antikriegsprotest und forderte den hygienisierten, kühlen Look der Pop Art mit leidenschaftlichen, direkten Bildern heraus, die sie mit einer gestischen Unmittelbarkeit kombinierten, die sie dem abstrakten Expressionismus zuschrieben.

1999 fand eine Konferenz über NO!art im Museum der University of Iowa statt und 2000-1 wurde eine von Estera Milman kuratierte Retrospektive von NO!art an der University of Chicago, der University of Iowa und Nebraska gezeigt.

Alan Murdock: Was sind Ihre Gedanken zu Darstellungen von Frauen in der Gesellschaft und was bedeutet die Verwendung dieser Bilder in Ihrer Arbeit?
Boris Lurie: Das Symbol des Pinup-Girls ist in diesem Land allgegenwärtig. Es wird viel benutzt, um Artikel zu verkaufen, indem es den Betrachter anlockt, was zum Einsatz von Merchandising führt, und um die Stimmung für den Erfolg zu steigern, weil das, was der Mann als Erfolg ansieht, die Errungenschaft der Frauen ist. Man sah das Pinup-Girl während des Zweiten Weltkriegs in der Armee und der Marine und in den Umkleideräumen und Werkstätten von arbeitsintensiven Berufen während und nach dem Krieg verwendet. Der pornografische Aspekt wird benutzt, um Männer und möglicherweise auch Frauen zu erregen, und dient als Futter für die wirtschaftliche Mühle. Wir arbeiteten in einer expressionistischen Art und Weise. Ich habe nie darüber nachgedacht, was ich machen wollte, bevor ich es gemacht habe.

Estera [Milman] hat die Arbeit der Gruppe March Gallery/NO!art collective stark mit der der Dada-Künstler in Verbindung gebracht...
Sie meinen die Dada-Künstler des Ersten Weltkriegs?

Ja.
Das ist etwas, das für uns weit in der Vergangenheit lag. Wir verehrten die Abstrakten Expressionisten. Das waren unsere Einflüsse.

Was hat es mit Neo-Dada auf sich, unter dem Ihre Arbeit sowie die Pop-Künstler von einigen Leuten gruppiert worden zu sein scheinen...
Neo-Dada kam in den 1950er Jahren auf und bezog sich auf Rauschenberg und Johns. Wenn wir uns auf Dada bezogen, dann nicht auf ein spielerisches Experimentieren, wie es Dada tat. Es war als persönlicher Ausdruck und als Gesellschaftskritik gedacht und ausgefallen.

Können Sie mehr über diese Aspekte des persönlichen Ausdrucks und der Sozialkritik sagen?
Es war Gesellschaftskritik, aber es war ein Herausschreien des Individuums, mehr im Sinne eines Gedichtes, das aus der persönlichen Erfahrung kommen muss.

Mehr als ein Essay? Wenn Sie zum Beispiel nur Sozialkritik wollten, könnten Sie einfach eine Stellungnahme veröffentlichen.
Ja, genau. Die Idee, die wir zum Ausdruck brachten, war, die Grenzen der Kunst zu öffnen. Ästhetische Kunst beschränkt sich auf Bereiche, die überarbeitet werden sollten, und andere Bereiche, die nicht berührt werden sollten. Wir waren dagegen und wollten alles einbeziehen, bis hin zum Dreck auf dem Bürgersteig. Einbeziehen, nicht ausschließen. Auch persönliche Gefühle, die in der höflichen Gesellschaft vielleicht nicht angebracht sind.

Würden Sie sagen, dass Sie durch diese Unmittelbarkeit gegen die Ästhetik der Kunst gearbeitet haben, die Sie vorhin erwähnt haben?
Was wir gemacht haben, muss nicht un-ästhetisch sein. Es gab viele gute Künstler [in unserer Gruppe] und sie machten ästhetische Arbeiten. Was die Leute als unästhetisch bezeichneten, war der Inhalt, der dabei herauskam, weil man im Abstrakten Expressionismus Unmittelbarkeit haben kann. Was mit dieser Unmittelbarkeit herauskam, ist das, was die Leute ablehnten. Und es war nicht nur eine Objektivierung der Arbeit, es war ein anderer Ansatz. Die Leute haben nicht gesehen, wo das in das Gebäude der Kunst passt.

Wie sehen Sie die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft?
Ich persönlich habe nichts gegen Kunst, die sehr handwerklich geprägt ist, aber das ist nicht die eigentliche Rolle in einer Gesellschaft. Die Rolle des Künstlers ist es, seinen Standpunkt zu finden und ihn auszudrücken, unabhängig davon, ob er gewürdigt wird oder nicht. Es hängt auch davon ab, wie der Künstler beeinflusst wird. Wenn der Künstler von der falschen Sache beeinflusst wird, nun ja... vielleicht ist es am Ende nur Handwerkskunst.

Was ist mit den Shows?
Wir haben unsere eigenen Ausstellungen gemacht, unabhängig [von den etablierten Galerien]. Es gab eine Menge kooperativer Galerien für Künstler, um auszustellen oder die Arbeit herauszubringen. Es gab ein sehr großes Publikum, eine hohe Besucherzahl in diesen kleinen Galerien, aber nicht viele Verkäufe von Arbeiten.

Also war es für Sie wichtiger, die Arbeiten zu zeigen, als sie zu verkaufen?
Ja. Da wir nicht mit dem Galerie-Establishment verbunden waren, hatten wir völlige Freiheit. Leute, die mit den etablierten Galerien und über Museen arbeiten, müssen immer denken: "Was wird diese und jene wichtige Person denken", oder? Wir hatten das Glück, dass es nicht so viele Verkäufe gab.

Warum ist das so?
Die Art und Weise, wie es funktioniert, ist, dass es bestimmte so genannte "wichtige Leute" gibt, von denen man möchte, dass sie deine Arbeit kaufen, weil sie sie entweder sammeln, spekulieren oder in ein Museum stellen werden, damit ihre Namen als wichtige Sammler oder Wohltäter der Kunst in Erinnerung bleiben. Wenn jemand anderes es kauft, zum Beispiel ein Arzt, verschwindet das Werk einfach oder wird zerstört. Jetzt wollen die Leute unsere Arbeit zeigen und wir haben sie immer noch. Paradoxerweise war das von Vorteil.

Copyright 1999 by Alan Murdock

Publiziert in: The Daily Iowan Newspaper, Iowa City 1999

nach oben  

line
© https://text.no-art.info/de/murdock_interview-de.html