Fred Caper: NO!art und die Ästhetik des Untergangs
im Mary and Leigh Block Museum bis 13. Januar 2002Ich war erschrocken, als ich sah, dass das Herzstück dieser Ausstellung ein halbes Dutzend Werke ist, die im wahrsten Sinne des Wortes "Holocaust pom" sind - mein Lieblingsbegriff für Kunst, die es verdient hätte, in den Müll zu wandern. Aber diese erschütternd originellen Arbeiten sind Teil dessen, was diese Ausstellung zu einer der besten des Jahres 2001 macht.
NO!art war eine pointiert konfrontative New Yorker Bewegung, die sich um 1959 formierte. Da die Arbeit dieser Künstler zu einer Zeit politisch war, als hohe Kunst das nicht sein sollte, und da ein Teil der Absicht der Gruppe darin bestand, die marktorientierte Kunstwelt anzugreifen, sollte die Ablehnung durch diese Welt keine große Überraschung sein. Aber ihr Ausschluss aus der späteren Geschichte - die drei Gründer waren in der Übersicht des Whitney Museum of American Art über die Beat-Bewegung vor ein paar Jahren nirgends zu finden - ist ungeheuerlich, besonders wenn man bedenkt, wie vorausschauend viele der Arbeiten heute erscheinen. Kuratorin Estera Milman hoffte, dieses Versäumnis zu korrigieren, indem sie diese Wanderausstellung für das Northwestern's Block Museum organisierte, das sie initiierte.
NO!art war roh, aggressiv, sogar "hässlich"; im Gegensatz dazu waren Rauschenberg und Lichtenstein, schrieb der Kritiker Harold Rosenberg 1974, "stubenreine Kätzchen". Verfolgt vom Holocaust in der Vergangenheit und der Angst vor der Bombe in der Gegenwart, versuchten diese Künstler, die Betrachter aus ihrer Selbstgefälligkeit aufzurütteln. Nur einer der drei Gründer ist heute noch am Leben. Boris Lurie stellte in Co-op-Galerien in der East Tenth-Street aus, erzählte er mir, als die Künstler Sam Goodman und Stanley Fisher an ihn herantraten, weil ihnen seine Arbeiten gefielen. Das Trio (allesamt jüdisch) begann, zusammen mit anderen Künstlern auszustellen und nahm seinen Namen von einer Karikatur ihrer Arbeit, die in ARTnews erschien.
Viele Bewegungen des 20. Jahrhunderts brachen mit Konventionen, aber die NO!-Künstler gingen weiter als die meisten. Anders als der abstrakte Expressionismus (den sie bewunderten) und die Pop Art (die sie nicht bewunderten), war ihre Arbeit nicht leicht zu assimilieren. Die meisten der 55 Werke, die im Block Museum zu sehen sind, wären selbst heute in einer Firmenlobby oder einem Einkaufszentrum unvorstellbar - Orte, an denen viele Stile des 20. Jahrhunderts heute zu Hause sind. Jahrhunderts durchaus zu Hause sind. 1970 schrieb Lurie mit einer gewissen Bitterkeit, dass "unsere Aktionen, wenn sie überhaupt wahrgenommen wurden, mit tödlichem Schweigen belohnt wurden", während "marktorientierte Pop-Art und dekorative, hartkantige Abstraktion" zum "passenden Hintergrund für Cocktailpartys in der Park Avenue" wurden - etwas, das mit Luries Montagen von Girlie-Fotos und Bildern von ausgemergelten Holocaust-Überlebenden oder Leichen wahrscheinlich nie passieren wird. (NO!art: Pin-ups, Excrement, Protest, Jew-Art, das in der Galerie zu besichtigen ist, enthält eine Reihe solcher Statements der Künstler).
Die Geschichte der Anti-Kunst-Bewegungen ist eine Geschichte von Künstlern, die die Ästhetik ablehnen, nur um sie wieder auftauchen zu lassen, wie in John Cages eindringlich schöner Musik und Marcel Duchamps großem letzten Werk. Im Gegensatz dazu ist ein Großteil der NO!art zwar visuell kraftvoll und ausdrucksstark, aber ihre Bildsprache stößt oft ab. Goodmans Shopping Bag (1962) besteht aus einem metallenen Einkaufswagen voller Zigaretten-, Milch-, Seifen- und Bierverpackungen - die alle, einschließlich des Wagens, platt gemacht und wie ein Gemälde an die Wand gehängt wurden. Man denkt an einen Einkaufsbummel, der in einem Desaster endete, aber Goodman könnte sich auch auf die berühmte Behauptung des Kritikers Clement Greenberg beziehen, dass es in den Gemälden der abstrakten Expressionisten um die Flachheit ihrer eigenen Oberflächen gehe. Goodman jedoch setzt die Verwandlung von Gegenständen des realen Lebens in ein hängbares "Bild" mit einer Katastrophe gleich.
Fisher's cluttered Sex ist ein ausuferndes Gemälde mit collagierten Fotos, das von dicken Rot- und Brauntönen dominiert wird. (Seine Sprühfarbe und sein chaotischer Look erinnern an Graffiti-Kunst, eine von mehreren Entwicklungen, die NO!art vorweggenommen hat.) Obwohl das wilde Durcheinander von Formen an den abstrakten Expressionismus erinnert, ist der Effekt ein ganz anderer: Anstelle von Pollocks lyrischer Linie bietet Sex ein ersticktes und gesprenkeltes Labyrinth; anstelle von Rothkos transparenten Farben ist es schlammig und abweisend. Im Zentrum steht ein Augenpaar, das dem Werk eine angreifende, konfrontative Qualität verleiht. In der Tat wirkt ein Großteil dieser Arbeit wie ein Aufruf zum Handeln - auch wenn die Künstler zugeben, dass sie keine Lösungen haben.
Einige der Anliegen der NO!artists lassen sich besser in ihrem historischen Kontext verstehen. Die vielen sexuellen Anspielungen, vom Akt bis zum Titel, der in bizarren Buchstaben quer über Sex geschrieben ist, sind Versuche, die sexuelle Unterdrückung der Zeit zu unterlaufen. In einem Statement von 1961 verglich Fisher die Kunst mit der Liebe: "Beide sind nur insofern bedeutsam, als die Beteiligung Leidenschaft ist. " (Sexuell sehr aktiv, lebte Fisher in den späten 60er Jahren mit mehreren Freundinnen zusammen, wie mir Lurie erzählte.) Fisher machte 1960 auch die Aussage, dass "die Erde eine einzige Linie zum Schlachthaus ist" - und die Bedrohung durch die globale thermonukleare Vernichtung gab vielen dieser Arbeiten ihre Dringlichkeit. Ein unbetiteltes Werk von Fisher aus dem Jahr 1964 spiegelt das Leben auf der Straße wohl besser wider als jedes hygienisierte Pop-Gemälde: Inmitten eines aggressiven Durcheinanders von Genitalien, Brüsten und Farbe ist eine Gasmaske zu sehen, während die Lichter eines Weihnachtsbaums am Rande ironisch auf die Massenkultur verweisen.
In einer unbetitelten Arbeit von 1964 übermalte Wolf Vostell die Vorder- und Rückseite eines Life-Magazins, so dass nur noch der Kopf eines Soldaten von der Titelseite und eine Hand, die einen Softdrink-Behälter hält, von der rückseitigen Anzeige zu sehen waren, was den Verkauf von Magazinen unter Ausnutzung des Fotos eines verwundeten Soldaten mit dem Verkauf von Softdrinks gleichsetzt. In Lady Woolworth (1963) konstruiert Lil Picard eine Frau teilweise aus Lippenstifthülsen und nimmt damit die feministische Kunst um einige Jahre vorweg, indem sie die Art und Weise kommentiert, wie Frauen ermutigt werden, sich selbst zu definieren.
Goodman und Lurie arbeiteten gemeinsam an einer Reihe von Stücken, die alle den Titel "Shit Sculpture" trugen (vier davon sind hier zu sehen), für die "NO!-Sculpture-Show" der Gruppe 1964. Goodman nannte diese Arbeit "meine letzte Geste nach 30 Jahren in der Kunstwelt. Das ist es, was ich davon halte" - und diese realistischen Haufen aus bemaltem Gips untergraben tatsächlich die Idee von Kunst als schöner, begehrenswerter Ware. Ich habe es nicht gerade genossen, sie anzuschauen - wie vieles in der NO!art sind sie teilweise dazu gedacht, Abscheu zu provozieren. Aber gerade ihre Härte, ihr Gefühl des Bruchs, bringt einen dazu, die eigenen Erwartungen an Kunst neu zu bewerten.
Chaos prägt einen Großteil der NO!art. Mit seiner Mischung aus Zeitungsartikeln und weiblichen Akten ist Luries dichtes Collage-Gemälde Lumumba is Dead (1961) so uneinheitlich, dass der Betrachter gezwungen ist, jedes Fragment einzeln zu betrachten.
Das Werk enthält auch große und kleine Hakenkreuze, und viele von Luries (und Goodmans) Werken nehmen noch explizitere Bezüge zur Shoah auf. Immigrant's NO-Box (1963) ist ein grober Holzcontainer, der an einen Schiffsrumpf erinnert; an der Seite und oben ist das Bild eines ausgemergelten Lagerüberlebenden zu sehen, und auf der Oberseite sind kleine, kitzlige Fotos von Frauen zu sehen, die gegeneinander kämpfen. Zwei von Luries Arbeiten bestehen aus nachbearbeiteten gefundenen Fotos: Eine weitere Reproduktion des ausgemergelten Mannes auf der Holzkiste nennt er From a Happening. 1945 von Adolf Hitler (1963) und ein Bild eines Leichenhaufens in einem Zug Flatcar Assemblage, 1945 von Adolf Hitler (1963).
Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs lebte Lurie in Lettland und wurde in die Konzentrationslager der Nazis geschickt, unter anderem nach Buchenwald. Er und sein Vater waren die einzigen Überlebenden der Familie. Zu der Zeit, als er begann, solche Bilder zu verwenden, sagt er, "gab es in der sogenannten legitimen Kunstwelt ein stilles Verbot gegen alles, was mit dem Holocaust zu tun hatte."
Noch beunruhigender sind zwei Fotocollagen, in denen Lurie Bilder von Opfern mit Pinup-Girls kombiniert, Buchenwald (um 1963) und Railroad Collage (1963). 1963 hatte Lurie bereits seit einigen Jahren Pinups verwendet, die er zunächst zu seinem Vergnügen gesammelt hatte: "Die sexuellen Sitten waren sehr stark, und es war sehr schwer für einen jungen Kerl, besonders wenn er kein Geld hatte, Mädchen zu bekommen", sagt er. Gleichzeitig wurden immer wieder erotische Bilder für die Werbung von Produkten verwendet. Diese Arbeiten vereinen sehr unterschiedliche Bedeutungen - sie sind beide erotisch und kommodifizierend - aber die Hinzufügung von Holocaust-Bildern verkompliziert die Dinge noch mehr.
Railroad Collage zeigt einen Leichenhaufen mit einem ausgeschnittenen Akt, der von hinten gesehen sein Höschen fallen lässt. Es gibt eine Art Push-Pull-Effekt, das helle lebende Fleisch winkt, die Leichen stoßen ab, und die Kombination verletzt unser Gefühl für Anstand und Respekt vor den Toten. Auch dieses Stück nimmt die Arbeit von Künstlern vorweg, die sich für die Arbeit von Künstlern interessieren, die sich für den Holocaust interessieren - Claude Lanzmanns Dokumentarfilm Shoah zum Beispiel und die exquisiten, poetischen Monuments von Christian Boltanski, aber im Gegensatz zu diesen raffinierten, sakralen Behandlungen schreien Luries Stücke nach Aufmerksamkeit, mit dem Ziel, den Betrachter zu den schrecklichen Widersprüchen des Lebens zu bringen.
Schockierend genug, dass sie sich letztlich einem ästhetischen Urteil entziehen, erreichen Railroad Collage und Buchenwald etwas, was Avantgarde-Künstler lange angestrebt, aber nur selten erreicht haben. Sie scheinen eine Leere um die Bedeutung zu spinnen, zum Teil, weil ihre offensichtliche Interpretation - dass Hitler eine Art Künstler war, dessen Opfer wie Pinup-Girls aussahen - so weit von der aktuellen Heiligsprechung der Shoah entfernt ist.
Doch Lurie hat gesagt: "Eichmann ist auch in dir", was bedeutet, dass er den Mörder in sich selbst erkennen muss. Seine Arbeit impliziert, dass alle Kategorien, die machen, wie z.B. Kunstgenres - all die Bilder und Objekte, die wir zu unserem Vergnügen sammeln - mit Hitler verwandt sind, der Leichen "sammelt". Dies ist eine weitaus beunruhigendere Sichtweise als die heute übliche Vorstellung von der Shoah als etwas Abgehobenem, eine Sichtweise, die auf moralischer Überlegenheit beharrt und jegliches Neue zur Veränderung leugnet. Lurie fordert stattdessen, dass wir uns den Dämonen in uns selbst und in unserer Kultur stellen.
Publiziert in: Chicago Reader, 4. Januar 2002
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Fred Camper ist Journalist und Dozent für Kunst, Film und Fotografie. Seine Artikel erscheinen regelmäßig im Chicago Reader. Weitere Informationen und Beispiele seine Werke findet Ihr auf seiner Website http://www.fredcamper.com, auf der er auch einen wirklich langen "Kurzfilm" veröffentlicht hat.. ►more
